El arte contemporáneo se hunde o nada en la Bienal de Venecia

VENECIA — Ahora está un poco perdido en la niebla mental del tiempo, pero en marzo de 2020, uno de los primeros memes de la pandemia de coronavirus surgió de las aguas de esta Serenísima República. Un estafador publicó una foto de delfines supuestamente nadando en el Bacino di San Marco, y de cisnes cruzando un Gran Canal azul no contaminado. ¡La gente se había ido y Venecia era un paraíso natural! La ciudad que Henry James llamó su “almacén de comodidad” había sido comprimida en dimensiones divisibles: una utopía acuática, vista en una pantalla táctil, mientras el virus se abría paso hacia nosotros.

Los delfines eran un engaño. Pero la sensación de que la humanidad es enemiga de la vida y la belleza: esa parte puede ser correcta, a juzgar por los agitados, confusos y abarrotados días de presentación preliminar de la Bienal de Venecia de 2022. Se abre al público la exposición internacional de arte contemporáneo más antigua y prestigiosa del mundo. el sábado después de un retraso de un año, y la pandemia apenas ha disminuido la exhibición o el interés propio de los visitantes. Sí, a mediados de abril las multitudes son un poco más escasas en Venecia. (No me quejo.) Sí, el cociente de mega yates ha disminuido un poco. (Ciertamente no me quejo.) Sin embargo, esto sigue siendo Venecia, y la Bienal sigue siendo la mezcla más combustible de mentes creativas, riqueza espectacular y una cultura global dirigida hacia el futuro.

Para los recién llegados a la laguna, una introducción rápida: la Bienal de Venecia es un espectáculo de dos mitades. Incluye una importante exposición internacional – este año es la 59ª edición; el primero fue en 1895- que toma la temperatura del arte contemporáneo, junto con más de 90 pabellones en los que los países albergan sus propios espectáculos. Por lo general, estos pabellones presentan exposiciones individuales; el Pabellón de Estados Unidos este año ha recaído en la popular escultora y ceramista Simone Leigh. Además, los numerosos museos de Venecia abren sus espectáculos más grandes durante la Bienal, ya que los comerciantes, las fundaciones y los contendientes alquilan palacios junto al canal para exhibiciones emergentes que van desde calidad de museo hasta efectivo y transporte.

El espectáculo principal de este año, presentado por la neoyorquina de origen italiano Cecilia Alemani, es una exhibición muy argumentada y, a menudo, exitosa. La abrumadora mayoría de los participantes son mujeres, y el surrealismo, el ciborgismo y la vida animal y vegetal son temas importantes. Hay pinturas nuevas muy bonitas en la exposición principal de las neoyorquinas Amy Sillman y Jacqueline Humphries; las últimas obras de Kaari Upson, la enormemente ambiciosa artista de Los Ángeles que murió el año pasado; y fascinantes inclusiones históricas de figuras pasadas por alto del siglo XX, muchas italianas, todas mujeres. Publicaré una reseña completa de la exhibición de Alemani la próxima semana, aunque ahora diré esto mucho: su enfoque feminista, surrealista y ecológico ha producido un espectáculo coherente y desafiante, cuya visión optimista de la emancipación a través de la imaginación es muy rara. hoy dia.

Pero las presentaciones nacionales son la peor colección que he visto en 20 años de asistir a la Bienal: una pesadilla de Garibaldi Street de conceptualismo a medias, bromas tontas, puntuación política de plomo y al menos un charco de abrazos genderqueer. Grandes artistas, como Maria Eichhorn, una astuta analista de instituciones de arte, y el colectivo japonés de teatro y tecnología Dumb Type, están presentando el trabajo menos interesante de sus carreras.

Las grandes sorpresas, como la gran ópera climática ‘Sun & Sea (Marina)’ en el pabellón lituano de la última edición, no se encuentran por ningún lado. Los jóvenes artistas se enfrentan uno tras otro. En los pabellones de Serbia e Italia nos encontramos con vistas lejanas del cielo encontrándose con el mar, una evocación de migración y pérdida como salvapantallas. Si no “criticas” o “cuestionas” el material existente, estás atrapado haciendo casas de diversión vacías como la danesa Uffe Isolotto, que coloca esculturas hiperrealistas de centauros muertos en medio de heno afilado, o la austriaca Jakob Lena Knebl y Ashley. Hans Scheirl, cuyas suaves esculturas tienen un esquema de color más adecuado a ‘The Price Is Right’. Venecia es una ciudad donde el presente no ha estado a la altura del pasado durante 500 años. Este año, el presente realmente está tomando una paliza.

Según mi cuenta, sólo dos artistas de los pabellones nacionales se han levantado completamente para la ocasión. Una es Małgorzata Mirga-Tas, una artista gitana que ha llenado el pabellón polaco con un tapiz envolvente de 12 piezas cuyas imágenes de la migración gitana y la vida cotidiana se asocian con innumerables piezas de toile cosido, paisley, encaje y arpillera. (Mirga-Tas es la primera artista romaní en representar a Polonia aquí). Sus lujosas escenas de arqueros y guitarristas, activistas y portadores del féretro tienen una grandeza estentórea igual a los frescos de toda esta ciudad, finalmente aplicados a aquellos al margen de la historia europea. .

El otro es Stan Douglas, el destacado intelecto de Vancouver en fotografía y videoarte, que profundiza en los levantamientos cruzados de 2011 (la Primavera Árabe, los disturbios de Londres, Occupy Wall Street) en una contribución dividida entre el Pabellón de Canadá y un antiguo depósito de almacenamiento de sal. . Las reconstrucciones fotográficas escenificadas con precisión de estos levantamientos de 2011 hacen que Occupy y la Primavera Árabe sean historia, pero es un video de dos pantallas titulado ‘ISDN’ que revela la gran habilidad de Douglas para reconstruir el presente a través de intervenciones ficticias en el pasado.

Aquí vemos a dos artistas del grime de Londres y dos raperos de El Cairo de un estilo egipcio relacionado, comprometidos en una emocionante llamada y respuesta a través de las fronteras. Pero esto es mucho más que una película de un concierto: Douglas grabó la letra y la línea de bajo de 140 pulsaciones por minuto por separado, y un algoritmo corta y une los sonidos británico y egipcio en una interpretación constantemente nueva, una comunidad imaginaria formada por música. y cables de fibra óptica.

Entre algunas entradas nacionales marcadas, el Pabellón Americano de Leigh se destaca por su ambición, sus valores de producción y su carácter elevado. En el interior hay nuevas obras en cerámica y bronce, que mezclan motivos de máscaras de Baga, estatuas de tumbas egipcias y las estilizaciones modernistas de Giacometti y Ernst, quienes reorganizaron la escultura africana (y oceánica). (La “Casa de ladrillos” de Leigh, el busto de 4 pies de altura que anteriormente se encontraba en High Line de Nueva York, también se encuentra aquí en Venecia, en la exhibición central de Alemani). techo, a imitación de los pabellones coloniales de las exposiciones mundiales del siglo pasado.

Remodelar u oscurecer la arquitectura de un pabellón como una acusación histórica ha sido un enfoque confiable aquí desde que Hans Haacke recogió el pabellón alemán en 1993. ‘Jarra’ blanca, una reconstrucción de gran tamaño de una jarra de cara sur cuya superficie está incrustada con conchas de cauri agrandadas, y ‘Cupboard’, cuya concha de piedra sobre una gran falda de rafia se basa en las apropiaciones africanas y el más allá caribeño del surrealismo.

Los bronces de Leigh son más horteras y sus obras se vuelven más trilladas cuanto más figurativas se vuelven: ‘Last Garment’, una cándida representación de una lavandera jamaicana interpretada en un estanque de agua real, no pierde nada de la pesada escala media o imponente. El tipo de intercesión en la historia que los tapices romaníes de Mirga-Tas y la música transcontinental de Douglas representan con tanta vitalidad ocurren aquí solo ocasionalmente y, en cuanto a una película en blanco y negro que prende una hoguera al estilo Burning Man de uno de los personajes de Leigh esculturas tótem, el artista debe confiar en su medio original.

Así que bienvenidos a la Bienal de Venecia más desequilibrada y emocionante de la historia reciente, que se reunió en medio de una pandemia mundial y ahora comienza bajo la apariencia de una guerra terrestre europea. Nunca ha sido tan claro que los pabellones nacionales son una ocurrencia tardía de la exhibición central de la Bienal, y que una exhibición de arte nuevo país por país tiene décadas de caducidad. (Ánimo para el jurado internacional que tenía que verlos a todos y entregará los premios de la Bienal el sábado).

¿Es covid? Me pregunto si el aislamiento de estos años y la inmersión de nuestras vidas cerradas por las pantallas digitales ha acabado con la última dedicación restante al arte como algo más que un medio de comunicación. Sin embargo, Venecia es la ciudad que ha definido epidemias para todo el mundo: la palabra cuarentena proviene del veneciano, y los barcos de “40 días” tenían que estar estacionados en la laguna antes de que sus tripulaciones pudieran desembarcar. Tiziano murió de peste aquí en 1576, mientras que “Muerte en Venecia” de Thomas Mann convirtió un brote de cólera en un emblema de la decadencia social. Ahora contamos con mascarillas FFP2, que son obligatorias en las exposiciones; por hora prosecco es cada sistema respiratorio por sí mismo. Una buena lección veneciana es que las burlas eventualmente terminan. Qué arte emerge de ella es otra cuestión.

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